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Contes de canards

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Cet article porte sur la série télévisée originale de DuckTales de 1987. Pour la série 2017, voir DuckTales (série TV 2017).

Pour les autres utilisations, voir Contes de canard (désambiguïsation).

Contes de canards

DuckTales (Titre principal).jpg

Genre

Comédie dramatique

Action/Aventure

Science fantastique

Mystère

Super-héros

D'après Oncle Scrooge.

par Carl Barks

Développé par Jymn Magon

Voix de

Alan Young

Russi Taylor

Chuck McCann

Terry McGovern

Frank Welker

Hal Smith

Joan Gerber

Camp de Hamilton

Juin Foray

Peter Cullen

Brian Cummings

Tony Anselmo

Mark Mueller, compositeur de musique thématique

Thème d'ouverture "DuckTales" de Jeff Pescetto

Thème de fin "DuckTales" (Instrumental)

Compositeur(s)

Ron Jones

Thomas Chase Jones

Steve Zuckerman (queues de synthétiseur seulement)

Steve Rucker (musique supplémentaire, Saison 1 seulement)

Pays d'origine United States

Langue(s) originale(s) Anglais

Nombre de saisons 4

Nombre d'épisodes 100 (101 segments) + 1 film (liste des épisodes)

Production

Producteur(s)

Jymn Magon (Saison 1-2)

Bob Hathcock (Saison 2-4)

Alan Zaslove (Saison 4)

Fred Wolf (superviseur, Saison 1)

Tom Ruzicka (producteur associé, saison 1 seulement)

Coproducteurs :

Ken Koonce et David Weimers (Saison 2-4)

Alan Burnett (Saison 3)

Durée 22 minutes

Société(s) de production

Walt Disney Television

Walt Disney Television Animation [a]

Distributeur Buena Vista Television

Relâchez

Réseau original Syndication

Format d'image 480i (SDTV) 1080i (HDTV) (distribution numérique)

Format audio

Stéréo

Mono (pilote en cinq parties seulement)

Sortie originale 18 septembre 1987 -

28 novembre 1990

Chronologie

Émissions connexes DuckTales (série TV 2017)

DuckTales est une série télévisée américaine d'animation, produite par Walt Disney Television Animation et distribuée par Buena Vista Television. La série de dessins animés a été créée le 18 septembre 1987 et a été diffusée en tout 100 épisodes sur quatre saisons, le dernier épisode ayant été diffusé le 28 novembre 1990. Basé sur la bande dessinée Uncle Scrooge et d'autres BD univers Duck créées par Carl Barks, l'émission suit Scrooge McDuck, ses trois petits-neveux Huey, Dewey et Louie, et des amis proches du groupe, dans diverses aventures, dont la plupart consistent soit à chercher un trésor ou à déjouer les efforts des bandits qui cherchent à voler sa fortune ou sa Dime Numéro Un.

DuckTales a reçu une franchise de marchandises, y compris des jeux vidéo et des bandes dessinées, ainsi qu'un film d'animation dérivé en salle intitulé DuckTales the Movie : Treasure of the Lost Lamp, qui a été lancé dans les cinémas des États-Unis le 3 août 1990. La série se distingue par le fait qu'il s'agit du premier dessin animé Disney à être produit pour la syndication en semaine [1][2], son succès ouvrant la voie aux futurs dessins animés Disney, tels que Chip'n Dale : Rescue Rangers et TaleSpin. La chanson thème populaire de l'émission a été écrite par Mark Mueller. En outre, Launchpad McQuack est revenu plus tard pour apparaître dans une autre série animée Disney, devenant un personnage principal dans Darkwing Duck.

En février 2015, Disney XD a annoncé la reprise du spectacle, avec l'intention de redémarrer la série. La série redémarrée a été créée le 12 août 2017.

Contenu

1 Locaux

2 Moulage

3 Histoire

3.1 Production

3,2 Télédiffusion

3.3 Héritage

3.3.1 Apparences des personnages dans d'autres spectacles

4 épisodes

5 Médias domestiques

5.1 Rejets de cassettes VHS

5.1.1 Rejets de SHV au Royaume-Uni, en Australie et en Nouvelle-Zélande

5.2 Sorties DVD

5.2.1 Amérique du Nord (Région 1)

5.2.2 International (Région 2)

5.2.3 Langue hindi (Régions 2, 4, 5)

5.3 Vidéo à la demande

6 Musique

7 Réception

7.1 Prix et nominations

7.2 Chanson thématique

8 Film théâtral

9 Redémarrage

10 Marchandises

10,1 Jeux vidéo et informatiques

10.2 Livres

10,3 Bandes dessinées et pochettes commerciales

10.3.1 Contes canards

10.3.2 Les plus belles histoires de Carl Barks sur les canards

10.3.3.3 BOOM ! La renaissance des studios

11 International

12 Références

13 Liens externes

Locaux

Lorsque Donald Duck décide de s'engager dans la marine américaine, il enrôle son oncle Scrooge McDuck pour s'occuper de ses neveux, Huey, Dewey et Louie. Bien qu'il hésite à le faire en raison de leur hyperactivité, ainsi que de sa recherche continuelle d'accroître sa fortune et de maintenir une éthique d'affaires rigoureuse, il finit par se réchauffer en voyant à quel point ils sont intelligents et débrouillards, et les emmène dans son manoir ainsi que de nombreuses autres aventures. En plus d'eux, le spectacle comprend des apparitions fréquentes de Gyro Gearloose, un personnage de bande dessinée établi, ainsi que des apparitions d'invités par Donald dans la première saison - c'était soit une apparition complète, ou dans une scène de camée où Scrooge et ses neveux lisent des lettres qu'il leur envoie, et quelques apparitions mineures par la vieille flamme du Scrooge, Glittering Goldie, dont le personnage est adapté des comics books. L'émission a introduit de nouveaux personnages dans l'univers de Duck, dont certains étaient mineurs : la nounou Mme Beakley, que Scrooge engage pour garder les neveux ; la petite-fille de Mme Beakley Webby ; le pilote de Scrooge Launchpad McQuack ; Doofus Drake, un ami proche des neveux ; et Duckworth, le majordome McDuck Manor. La deuxième saison plus tard, trois nouveaux personnages ont été ajoutés à l'histoire de l'émission : "Bubba Duck et son tricératops Tootsie ; et Fenton Crackshell, le comptable personnel de Scrooge, qui travaille secrètement comme super-héros sous le nom de Gizmoduck.

Les principaux méchants de l'émission sont ceux de la bande dessinée : Flintheart Glomgold, qui cherche à remplacer Scrooge en tant que "canard le plus riche du monde" ; les Beagle Boys, qui cherchent à voler sa fortune à Scrooge et souvent ciblent sa poubelle ; et Magica De Spell, qui cherche à voler sa pièce de 10 cents. Quelques changements ont été apportés à ces méchants - à la différence des bandes dessinées, Flintheart est d'origine écossaise et porte quelques vêtements écossais, dont un kilt ; Magica, qui est italienne dans les bandes dessinées, a un accent d'Europe orientale, ainsi qu'un frère nommé Poe, transformé en corbeau ; les Beagle Boys ont leur personnalité propre et sont menés par leur mère, Ma Beagle, qui les fait parfois passer de prison pour la tromper, mais elle ne se fait jamais arrêter par les policiers. La série animée comportait également une liste de méchants mineurs, dont la plupart cherchaient à s'approprier la richesse de Scrooge ou à le battre au trésor.

La plupart des histoires utilisées dans l'émission tournent autour d'un des trois thèmes communs - le premier se concentre sur les efforts du groupe pour contrecarrer les tentatives de divers méchants de voler la fortune de Scrooge ou son Numéro Un Dix sous ; le deuxième se concentre sur une course au trésor ; le troisième se concentre sur des personnages spécifiques dans le spectacle. Bien que certaines histoires soient originales ou basées sur la série de bandes dessinées de Barks, d'autres sont des pastiches sur des histoires ou des légendes classiques, y compris des personnages basés sur des personnages de fiction ou historiques. DuckTales est bien connu pour ses nombreuses références à la culture populaire, y compris Shakespeare, Jack the Ripper, la mythologie grecque, James Bond, Indiana Jones, et Sherlock Holmes. Après sa première saison, le spectacle s'est éloigné des histoires de globe-trotters, avec des aventures principalement centrées sur Duckburg.

Coulé

Article principal : Liste des personnages de DuckTales

Alan Young dans le rôle de Scrooge McDuck

Russi Taylor : Huey, Dewey, Louie Duck et Webby Vanderquack.

Chuck McCann dans le rôle de Duckworth the Butler, Burger Beagle et Bouncer Beagle

Terry McGovern dans le rôle de Launchpad McQuack (série complète) et Babyface Beagle (saison 1)

Frank Welker dans le rôle de Bigtime Beagle (série complète), Baggy Beagle (série complète), Poe (saison 1), et Bubba (saisons 2-4)

Hal Smith : Gyro Gearloose et Flintheart Glomgold

Joan Gerber dans le rôle de Mme Beakley et de Goldie scintillante

Camp de Hamilton en tant que Fenton Crackshell/Gizmoduck (saisons 2-4). Voix supplémentaires dans la saison 1

June Foray dans le rôle de Ma Beagle et Magica De Spell

Peter Cullen dans le rôle de Bankjob Beagle et l'amiral Grimitz (saison 1)

Brian Cummings dans le rôle de Doofus Drake et Bugle Beagle (saison 1). Voix supplémentaires en saison 3

Tony Anselmo : Donald Duck (saison 1)

L'émission mettait également en vedette une gamme d'acteurs vocaux supplémentaires qui ont chanté plusieurs personnages mineurs, dont le plus souvent les suivants :

Susan Blu

Corey Burton

Jim Cummings

Miriam Flynn

Kathleen Freeman

Linda Gary

Richard Libertini

Tress MacNeille

Howard Morris

Alan Oppenheimer

Rob Paulsen

Will Ryan

Histoire

Production

Walt Disney Television Animation a commencé la production de DuckTales en 1986, avec l'intention de la préparer pour une première en 1987, et ses épisodes ont été diffusés entre 16 h et 18 h, à un moment où plus d'enfants regardaient la télévision, plutôt que dans une plage horaire matinale [3] Pour créer un dessin animé de haute qualité, en comparaison avec les autres dessins animés des années 1980 dont le budget était beaucoup moins important, l'animation était assurée par Wang Film Productions co. (quelques épisodes de 1987 et 1989-1990 seulement), Cuckoo's Nest Studio et Tokyo Movie Shinsha (saison 1 seulement), ayant déjà été utilisés sur deux autres dessins animés de Disney en 1985 - The Wuzzles et Disney's Adventures of the Gummi Bears - qui avaient tous deux démontré une meilleure qualité à la télévision que les années précédentes.Bien que les Japonais leur aient fourni plus d'artistes disponibles pour la bande dessinée, cela a également augmenté les coûts de production, en raison des taux de change entre le yen et le dollar, alors que Disney avait l'intention d'investir massivement dans la production de ses DuckTales, avec l'intention de récupérer son argent en le faisant syndiquer via son unité de syndication, Buena Vista Television, avec un 2.Bien que ce concept ait bien fonctionné avec les rediffusions télévisées en direct, il n'avait été utilisé que dans le passé avec des séries de dessins animés peu coûteuses qui, soit recyclaient des courts métrages de cinéma des décennies précédentes, soit n'offraient qu'une animation limitée et à petit budget, et n'avait donc jamais été tenté avec une série animée de haute qualité, l'investissement lourd étant considéré comme un mouvement risqué[4].

Diffusion

La caricature a été présentée en première mondiale du 18 au 20 septembre 1987 (l'heure et la date variant d'un marché à l'autre), avec un téléfilm spécial intitulé "Le trésor des soleils d'or", qui a ensuite été divisé en cinq séries dans de futures rediffusions [2] La première saison, diffusée entre 1987 et 1988, comptait 65 épisodes, le "nombre magique" nécessaire pour qu'une émission ait une souscription cinq jours par semaine pendant 13 semaines, soit la semaine. Disney a ensuite commandé trois autres saisons - la deuxième saison (diffusée entre 1988 et 1989-1989) consistait en deux émissions spéciales télévisées intitulées "Time Is Money" et "Super DuckTales", avec de futures rediffusions les divisant en deux séries en cinq épisodes ; la troisième saison (diffusée entre 1989 et 1990) consistait en 18 épisodes, avec une heure de travail en bloc avec Chip's Dale : La quatrième saison (diffusée à la fin de 1990) comprenait sept épisodes (dont trois épisodes non diffusés destinés à la saison précédente), qui ont été utilisés pour former un bloc syndiqué de deux heures appelé The Disney Afternoon, composé de DuckTales et de trois autres bandes dessinées d'une demi-heure.

5] Après son départ de Disney Afternoon, DuckTales a été diffusé en rediffusion sur Disney Channel de 1992 à 2000. En octobre 1995, elle a été diffusée dans le cadre d'un nouveau bloc d'émissions de deux heures appelé "Block Party", qui a été diffusé en fin d'après-midi en semaine [6], avec un retour à la syndication entre 1997 et 1999. Des rediffusions ont ensuite été diffusées sur Toon Disney [7][8] entre 1999 et fin 2004.

Héritage

Le spectacle s'est avéré un immense succès pour Disney, qui a décidé de commander d'autres dessins animés avec un niveau de qualité similaire, dont Chip'n Dale : Rescue Rangers, Darkwing Duck et TaleSpin. De plus, DuckTales a également produit son propre long métrage, intitulé DuckTales the Movie : Treasure of the Lost Lamp, sorti en salles le 3 août 1990 [9], ainsi qu'une franchise de produits dérivés, dont des jouets, des bandes dessinées et des jeux vidéo, une série dérivée, et finalement une reprise en 2017, qui a redémarré la série.

Apparitions de personnages dans d'autres spectacles

Huey, Dewey et Louie sont tous apparus dans la vidéo de prévention de la toxicomanie de 1990, Cartoon All-Stars to the Rescue.

Darkwing Duck (1991-1992) : A part le fait que Launchpad McQuack est un personnage principal de l'émission et que Gizmoduck apparaît sporadiquement, le visage de Scrooge apparaît dans l'épisode "Tiff of the Titans", et Flintheart Glomgold, les Beagle Boys, et Magica De Spell font leur apparition dans l'épisode "In like shunt".

Goof Troop (1992-93) : Dans l'épisode "The Ungoofables", deux des Beagle Boys apparaissent.

Raw Toonage (1992) : Scrooge et Launchpad apparaissent en guest stars.

Bonkers (1993-1994) : Dans l'épisode "The 29th Page", les Beagle Boys apparaissent.

Aladdin (1994-1995) : Dans l'épisode "The Day The Bird Stood Still", le génie se transforme en Scrooge.

Quack Pack (1996) : Outre Donald, Ludwig et les neveux étant les personnages principaux, l'épisode "Nosy Neighbors" présente les Beagle Boys comme un mannequin d'attaque.

DuckTales (2017) : Le design original de Webby fait de nombreuses apparitions à l'arrière-plan de la série redémarrée comme une poupée, et est utilisé dans un gag dans "The Other Bin of Scrooge McDuck" lorsque Magica DeSpell a transformé le Webby du reboot en poupée.

Episodes

Article principal : Liste des épisodes de DuckTales

Season Episodes Originally aired

Première diffusion Dernière diffusion

1 65 18 septembre 1987 1er janvier 1988

2 10 24 novembre 1988 26 mars 1989

3 18 septembre 18 septembre 1989 11 février 1990

Trésor de la lampe perdue 3 août 1990

4 7 10 septembre 1990 28 novembre 1990

Médias à domicile

Sorties VHS

10 cassettes VHS, contenant chacune deux épisodes, ont été diffusées aux États-Unis.

Titre de la VHS Épisode(s) Date de sortie

"Fearless Fortune Hunter""Earth Quack".

Maître des Djinni' 31 mai 1988

"Daredevil Ducks""L'argent disparaît

"Home Sweet Homer

"Héros de haut vol""Héros à louer

"La guerre civile sur la rampe de lancement

"Maraudeurs masqués""Envoyez les clones

Time Teasers' 4 octobre 1988

"Lost World Wanderers""Dinosaur Ducks""Canards dinosaures

La malédiction de Castle McDuck' 9 mai 1989

"Duck to the Future""Duck to the Future""Duck to the Future

"Sir Gyro de Gearloose

"Aventuriers accidentels""Canard de la jungle".

Maid of the Myth' 28 septembre 1989

"Les marins marins""Sphinx pour les souvenirs

Tous les canards sur le pont

"Les Aventuriers de la harpe perdue""Les Aventuriers de la harpe perdue

La Perle de la Sagesse' 14 août 1990

"Space Invaders""Where Where No Duck Has Gone Before".

Micro-canards de l'espace extra-atmosphérique ".

En outre, l'épisode "Ducky Horror Picture Show" est sorti avec l'épisode Goof Troop "FrankenGoof" sur une cassette VHS intitulée Monster Bash en 1993.

Sorties VHS au Royaume-Uni, en Australie et en Nouvelle-Zélande

10 cassettes VHS, contenant chacune deux ou trois épisodes, ont été diffusées au Royaume-Uni, en Australie et en Nouvelle-Zélande.

Titre de la VHS Épisode(s) Date de sortie

"Earthquack""Earth Quack""Earth Quack

Retour au Klondike' 11 septembre 1992

"Micro-canards de l'espace extra-atmosphérique""Micro-canards de l'espace extra-atmosphérique

Scrooge's Pet' 11 septembre 1992

"La couronne perdue de Gengis Khan""La couronne perdue de Gengis Khan

L'argent disparaît " 11 septembre 1992

"1001 Arabian Ducks"'Maître des Djinni'.

Aventure du Mérite et du Temps' 11 septembre 1992

"High Sea Adventures""Maid of the Myth".

Envoyez les Clones' 11 septembre 1992

"Hôtel Strangeduck""Hôtel Strangeduck""Hôtel Strangeduck

"Superdoo !" 11 septembre 1992

"L'imbécile du Nil""Sphinx pour les souvenirs

Top Duck' 10 septembre 1993

"Petits canards""Canards de l'Ouest

La guerre de l'ombre de Magicia' 10 septembre 1993

"Canard de prison""Là où aucun canard n'est jamais allé avant

Duckman d'Aquatraz'.

Home Sweet Homer' 10 septembre 1993

"Robots en fuite""Robots voleurs de robots

Sweet Duck of Youth' 10 septembre 1993

Sorties DVD

Amérique du Nord (Région 1)

Walt Disney Studios Home Entertainment a lancé la série complète sur DVD ; quatre volumes ont été publiés dans la Région 1, avec les 100 épisodes de la série. Le premier est sorti le 8 novembre 2005 (contenant les épisodes 1-27), le second le 14 novembre 2006 (contenant les épisodes 28-51) et le troisième le 13 novembre 2007 (contenant les épisodes 52-75)[10][11][12] Le quatrième et dernier volume est sorti en exclusivité Disney Movie Club le 11 septembre 2018 (contenant les épisodes 76-100). Les trois premiers volumes ont été emballés dans une boîte contenant 3 étuis, un pour chacun. Les rééditions de 2013 des trois premiers volumes regroupent les disques dans un seul boîtier DVD.

DuckTales : Destination Adventure, une compilation sur DVD d'épisodes du redémarrage de 2017, contient deux épisodes de la série originale en bonus : "New Gizmo Kids on the Block" et "Ducky Mountain High". Ces épisodes étaient disponibles avant leur inclusion dans le volume 4.

Les épisodes sont dans l'ordre dans lequel ils ont été diffusés à l'origine (à l'exception de la série en cinq parties "Treasure of the Golden Suns", placée au début du volume 2). Aucun des coffrets DVD ne contient de fonctions spéciales.

Titre du DVD N° Ep Date de sortie

Volume 1 27 novembre 8 novembre 2005

Volume 2 24 novembre 14 novembre 2006

Volume 3 24 novembre 13 novembre 2007

Volume 4 25 septembre 11 septembre 2018 (Disney Movie Club)

International (Région 2)

Au Royaume-Uni, Disney a sorti en 2007 un volume de la Région 2 intitulé DuckTales First Collection [13] Bien que le décor soit similaire à la version nord-américaine, le DVD ne contenait que 20 épisodes, avec 5 titres en 5 langues : Anglais, français, allemand, espagnol et italien. D'autres versions régionales ont été distribuées dans d'autres pays, mais seulement jusqu'à l'épisode 20. Le 12 novembre 2012, le Royaume-Uni a reçu deux nouvelles versions de Collection 2 et Collection 3, une version régionale des 2e et 3e volumes d'Amérique du Nord. Contrairement à la première version, ces ensembles de 3 disques incluent un mode Fastplay, et seulement quatre pistes de langue : Anglais, néerlandais, allemand et français, mais les sous-titres n'ont pas été ajoutés [14].

Il n'est actuellement pas prévu de sortir le reste de la série, ni les sept épisodes manquants entre les deux premiers sets.

Titre du DVD # Ep # Date de sortie Langue

Contes canetons - 1ère Collection 20 février 12 février 2007 Anglais, français, allemand, espagnol et italien

Contes canetons - 2e Collection 24 novembre 12, 2012 Anglais, néerlandais, allemand et français

Contes canards - 3ème Collection 24

Langue hindi (Régions 2, 4, 5)

En Inde, où Duck Tales a été doublé en hindi pour la diffusion télévisée sur Doordarshan et la syndication sur Star Plus, 60 épisodes sur les 70 premiers épisodes des Saisons 1 et 2 ont été diffusés par Sony DADC India sous licence Disney India, sur 20 volumes DVD et CD vidéo en format PAL[15] Ces disques sont compatibles avec les régions 2, 4 et 5. Cependant, en raison du nombre limité d'exemplaires, ils sont rapidement tombés en rupture de stock. Chaque DVD ne contenait que 3 épisodes. Les épisodes 08, 10, 11, 22, 23, 24, 36, 36, 55 et 61 sont manquants sur le plateau. Les épisodes restants des épisodes 70 à 100 (Super DuckTales de la Saison 2, et des Saisons 3 et 4 entières) ne sont pas encore disponibles en hindi sur DVD.

Vidéo à la demande

La saison 1 de DuckTales est sortie sur Amazon Video en 2013 et était gratuite pour les membres d'Amazon Prime mais à partir du 28 février 2014, DuckTales Saison 1 n'est plus accessible via Amazon Video ou Amazon Prime.

Depuis le 11 décembre 2015, certains épisodes de la saison 1 sont disponibles sur Netflix au Danemark, en Finlande, en Norvège et en Suède. Au Danemark, au moins 20 épisodes de la saison 1 sont disponibles sur Netflix. Les épisodes disponibles suivent l'ordre correct des dates de diffusion, mais certains épisodes sont tout simplement manquants. Par exemple, les épisodes de Netflix n'incluent pas beaucoup d'épisodes de la saison 1, même s'ils ont été doublés en danois. Parmi les épisodes manquants se trouvent la Mini-série en cinq parties, "Treasure of the Golden Sun", "Duckman of Aquatraz", et "Top Duck".

L'ensemble de la série est actuellement disponible à la vente sur Amazon Instant Video en Allemagne, avec les épisodes divisés en huit saisons différentes.

iTunes et Amazon Instant Video aux États-Unis offrent actuellement la série complète (à l'exception de l'épisode "Sphinx for the Memories") en format SD, divisé en six volumes à 14,99 $ par volume.

Musique

La chanson thème de la série a été écrite par Mark Mueller, un auteur-compositeur de musique pop primé par l'ASCAP qui a également écrit la chanson thème pour Chip'n Dale Rescue Rangers ; Mueller a reçu un peu plus de 1000 $ pour écrire la chanson [16].

Les partitions des épisodes musicaux ont été écrites par Ron Jones. Contrairement à la façon dont d'autres compositeurs créaient une partition "condescendante" et "mignonne" pour le spectacle, Jones dit qu'il a composé la musique en fonction du public et de son intelligence. "Je ne jouerais pas du tout le score comme une émission pour enfants. S'ils partaient à l'aventure, je la jouerais sérieuse comme Raiders of the Lost Ark.

Le Thème des Contes du Canard a été chanté par Jeff Pescetto. Il y a quatre versions différentes de la chanson thème. La version originale, qui servait de thème d'ouverture du spectacle, contenait un couplet, un chœur, un pont, puis un chœur. Une version plus courte du thème d'ouverture a été utilisée dans The Disney Afternoon lineup avec la phrase "Everyday they're out there making Duck Tales, woo-ooh," sorti.

Une version intégrale de la chanson thème a été publiée sur la bande sonore de Disney Afternoon, le troisième volume (qui a été publié en set avec les deux autres volumes) dans The Music of Disney : a Legacy in Song avec le thème TaleSpin complet et dans la sortie en novembre 2013 de la collection Disney Classics. En outre, il est entendu dans le générique de fin de DuckTales : Remasterisé et sort également sur sa bande originale officielle.

La version complète contient un second couplet, et inclut un solo de guitare, qui est interprété avec une pédale wah-wah pour le faire sonner comme des bruits de canard. Il a également une fin en fondu enchaîné, contrairement aux autres versions. Il existe également une rare version étendue qui a été utilisée dans les cassettes de lecture en 1987. Il a un ordre de séquence de couplet-chorus-pont-chorus-chorus-instrumental break-chorus.

Selon une interview réalisée avec Jeff Pescetto en 2009, Mark Mueller l'avait initialement contacté pour lui demander d'enregistrer une version démo de la chanson thème pour l'approbation de Disney. Bien qu'ils aient été impressionnés par la démo de Pescetto, Disney avait d'abord décidé d'engager le groupe pop The Jets pour interpréter la chanson thème pour diffusion. Cependant, après avoir enregistré une version avec le groupe, Disney a senti que la chanson thème avait besoin d'un style vocal différent, et a commandé à Pescetto d'interpréter le thème [17] Après avoir joué sur DuckTales, Pescetto a été invité à chanter les thèmes vocaux pour Chip'n Dale Rescue Rangers (composé par Mueller et produit par Alf Clausen), Darkwing Duck (composé par Steve Nelson et Thom Sharp) et pour The Disney Afternoon lui-même. Les Jets, quant à eux, ont par la suite interprété une version intégrale de la chanson thème des Rescue Rangers dans un vidéoclip diffusé sur les ondes de Disney Channel en 1989.

Réception

En janvier 2009, l'IGN a classé DuckTales au 18e rang des 100 meilleures émissions de télévision les plus animées [1] En 2013, WatchMojo.com a classé DuckTales au premier rang de la série Disney animée [18].

Prix et nominations

Daytime Emmy Awards

1988 - Programmation animée exceptionnelle (mise en nomination)

1989 - Programmation animée exceptionnelle (mise en nomination)

1989 - Programmation animée exceptionnelle (pour programmer une heure ou plus) - "Super DuckTales" (gagné)

1990 - Montage sonore exceptionnel - Rich Harrison, Charlie King et Rick Hinson (gagné)

Chanson à thème

La chanson thème a été largement considérée comme l'une des plus mémorables pour une émission de télévision, Dan Fletcher du magazine TIME ayant noté son impact durable bien qu'elle ne soit qu'une chanson pour les enfants : "Certains textes n'ont peut-être pas de sens pour ceux qui ont plus de 10 ans - nous ne savons pas si la vie à Duckburg ressemble à un ouragan, ni ce qu'est exactement un " flou de canard " - mais la chanson DuckTales est toujours géniale "[19][20][21][22] Un article de Vanity Fair note que la chanson a tendance à s'enflammer la tête, un phénomène appelé ver audiomètre [23].

Film théâtral

Article principal : DuckTales the Movie : Trésor de la lampe perdue

DuckTales the Movie : Treasure of the Lost Lamp est sorti aux États-Unis le 3 août 1990 par Walt Disney Pictures and Disney MovieToons, Disney TV Animation division et Disney France. Le film suit Scrooge McDuck et ses neveux alors qu'ils tentent de vaincre le méchant sorcier Merlock en reprenant la légendaire lampe magique [9].

Le film a été bien accueilli par la critique et le public, mais n'a pas répondu aux attentes du box-office [24] et plusieurs suites prévues ont été abandonnées en conséquence.

Redémarrage

Article principal : DuckTales (série TV 2017)

En février 2015, Disney XD a annoncé le redémarrage de la série télévisée originale DuckTales. Il a été créé le 11 août 2017 [25] Il a 2 saisons jusqu'à présent.

En mai 2015, Terry McGovern (la voix originale de Launchpad McQuack) a déclaré sur Facebook que la voix entière serait remplacée, déclarant qu'il avait "le cœur brisé" à la nouvelle [26].

Marchandises

Article principal : Liste des marchandises DuckTales

Jeux vidéo et jeux sur ordinateur

Articles principaux : DuckTales (jeu vidéo), DuckTales 2, DuckTales : The Quest for Gold, DuckTales : Scrooge's Loot, et DuckTales : Remasterisé

Un jeu vidéo DuckTales a été développé par Capcom et sorti sur Nintendo Entertainment System et Game Boy en 1989. Une suite du jeu, DuckTales 2, est sorti sur NES et Game Boy en 1993. Un Disney's Ducktales Ducktales jeu portable LCD de Tiger Electronics a également été publié en 1990. Un jeu mobile DuckTales a été développé par Artefact Games et publié par Disney Mobile et sorti sur Mobile Phones en 2011 à Moscou.

Un jeu de plateforme différent, DuckTales : The Quest for Gold, a été publié par Incredible Technologies pour ordinateurs en 1990. DuckTales : Remastered, un remake HD du jeu original de Capcom, développé par WayForward Technologies, a été lancé par Disney Interactive pour PlayStation Network, Nintendo eShop et Steam le 13 août 2013. Il est également sorti le 11 septembre 2013 sur Xbox Live Arcade. Un exemplaire pour PlayStation 3 a été publié le 20 août 2013 avec un code pour télécharger le jeu et un pin collector DuckTales [27].

Divers articles DuckTales apparaissent dans la boîte à jouets de la franchise Disney Infinity. Dans la version 1.0, l'objet de la poubelle et les citadins Scrooge et Beagle Boy apparaissent en plus du disque de puissance "Scrooge's Lucky Dime". Dans la version 2.0, la pile d'argent de Scrooge et un portrait de Scrooge sont des objets d'intérieur en plus du disque de puissance exclusif iOS "Scrooge's Top Hat". En 3.0, un Launchpad McQuack townsperson a été ajouté.

La rampe de lancement était un personnage sélectionnable pour le jeu mobile intitulé Disney Snow Sports en 2007.

Une application a été lancée par Disney à la fin de l'été et au début de l'automne 2013, DuckTales : Scrooge's Loot, où le joueur tente de récupérer l'argent volé par Flintheart Glomgold, Magica de Spell et les Beagle Boys [citation requise].

Scrooge McDuck et Launchpad McQuack sont apparus dans Disney Emoji Blitz en 2017.

Livres

DuckTales sorti sur les livres d'images de la partie de Disney Gold et a été publié par Kodansha.

Bandes dessinées et livres de poche commerciaux

Contes canards

DuckTales avait deux séries de bandes dessinées. La première série a été publiée par Gladstone Publishing et a été publiée pendant 13 numéros de 1988 à 1990, et la deuxième série a été publiée par Disney Comics et a été publiée pendant 18 numéros de 1990 à 1991. Disney a également publié un magazine pour enfants basé sur l'émission, qui présentait également des histoires comiques, dont l'une a été écrite par Don Rosa. Par la suite, des bandes dessinées ont également été publiées dans le magazine Disney Adventures de 1990 à 1996.

Le 29 août 2007, Gemstone a publié un livre de poche de Scrooge's Quest et le 7 octobre 2008, il a été suivi de The Gold Odyssey ; ensemble, ils collectionnent la majorité de la bande dessinée de Disney.

Des contes de fées : Quête de Scrooge

Contes Canards Volume 2 #1 -7

Des contes de fées : L'Odyssée d'or

Contes Canards Volume 2 #9 -15

Trésors Walt Disney

Réimpression de la question du titre commercial

Disney Comics : 75 ans d'innovation (2006) Contes canons Volume 1 #4

Oncle Scrooge : A Little Something Special (2008) Ducktales Volume 1 #7

Les plus belles histoires de canards de Carl Barks

Les 24 mai et 19 juillet 2006, Gemstone a publié un livre de poche en deux volumes, Greatest DuckTales Stories de Carl Barks. Les métiers contiennent des réimpressions d'histoires écrites par Carl Barks qui ont été spécifiquement adaptées dans des épisodes télévisés de DuckTales.

Les deux volumes commencent par une introduction et comparent l'histoire originale de la bande dessinée avec celle de l'épisode de DuckTales. Le volume 1 comprend également un article de deux pages sur l'adaptation de l'émission à partir de la série de bandes dessinées.

Volume 1

Numéro de l'édition Histoire

Quatre couleurs #456 Retour au Klondike

Oncle Scrooge #13 Land Beneath the Ground (L'épisode était intitulé "Earthquack")

Oncle Scrooge #65 Micro canards de l'espace extra-atmosphérique

Oncle Scrooge #9 Lemming with the Locket (L'épisode était intitulé "Scrooge's Pet")

Oncle Scrooge #14 La couronne perdue de Genghis Khan

Oncle Scrooge #29 The Hound of the Whiskervilles (L'épisode était intitulé "The Curse of Castle McDuck")

Volume 2

Numéro de l'édition Histoire

Oncle Scrooge #58 The Giant Robot Robbers (L'épisode était intitulé "Robot Robbers")

Oncle Scrooge #12 La Toison d'or

Oncle Scrooge #3 The Horseradish Story (L'épisode était intitulé "Down and Out in Duckburg")

Oncle Scrooge #41 Le chercheur de statut

Oncle Scrooge #38 The Unsafe Safe (L'épisode était intitulé "The Unbreakable Bin")

Oncle Scrooge #6 Tralla La (L'épisode s'intitulait "The Land of Tra-La-La")

BOOM ! La renaissance des studios

Le 17 février 2011, BOOM ! Studios a annoncé qu'une nouvelle série de bandes dessinées DuckTales commencerait en mai 2011 [28] sous son label kaboom ! La série a été écrite par Warren Spector (auteur du jeu vidéo Epic Mickey) avec l'art de Leonel Castellani et Jose Massaroli [29] Elle a duré 6 numéros, les deux derniers ayant croisé Darkwing Duck. Le BOOM ! La bande dessinée Studios sera réimprimée dans le Disney's Afternoon Giant d'IDW Publishing en octobre 2018 [30].

Des contes de fées : Propriétaires légitimes

Contes #1 -4

Darkwing Duck/Ducktales : Monnaie dangereuse

Contes no 5-6 et Canards noirs no 17-18

Avant la mise à jour de la bande dessinée DuckTales, BOOM Kids (qui s'appellera plus tard Kaboom !) présentait des histoires jamais vues aux États-Unis dans les numéros 392-399 de la bande dessinée Uncle Scrooge et produites internationalement. Ces numéros, publiés en 2010-2011, ont été rassemblés en deux volumes de poche [31].

Oncle Scrooge dans DuckTales : Comme un ouragan

Oncle Scrooge #392 -395

Oncle Scrooge dans DuckTales : Les mess deviennent des succès

Oncle Scrooge #396 -399

International

Le succès de DuckTales a conduit à la traduction du spectacle en plusieurs langues. Présenté avec les Chip'n Dale Rescue Rangers dans une émission du dimanche matin intitulée Walt Disney Presents, le spectacle a été présenté en première dans l'ex-Union soviétique en 1991, le premier dessin animé américain présenté dans la région après la guerre froide. Un an plus tard, Darkwing Duck a également été ajouté à cette gamme. Cependant, la chanson thème de l'émission (écrite par Mark Mueller et chantée à l'origine par Jeff Pescetto) est restée en anglais pendant un certain nombre d'épisodes. La première version russe de la chanson a été remplacée au milieu de la série par une autre version avec des paroles complètement différentes.

La série a été diffusée en Inde sur Doordarshan, doublée en hindi. La chanson titre a été chantée en hindi par Chetan Shasital. Les longs métrages ont été doublés et les épisodes ont la voix de Chetan Shasital, Javed Jaffery, Rakshanda Khan et autres. Dans de nombreux pays, la chanson thème a été interprétée par des chanteurs connus (comme en Finlande, où elle a été chantée par Pave Maijanen, ou en Allemagne, où elle a été chantée par Thomas Anders en anglais).

Dans les pays hispanophones d'Amérique latine, la série s'appelait Pato aventuras (Duck Adventures). Scrooge McDuck s'appelle "Rico McPato" et les neveux ont été traduits par Hugo, Paco, et Luis, en gardant les noms des dessins animés et des bandes dessinées vintage traduits. En Espagne, alors que le dub latino-américain a été utilisé pour la première diffusion, un dub local de haute qualité a été produit par la suite, en conservant les noms locaux "Gilito/Juanito/Jaimito/Jorgito" pour les personnages. Au Brésil, la série s'intitulait "Duck Tales : os Caçadores de Aventuras" (Histoires de canards : les chasseurs d'aventure).

En Italie, la série s'appelait Avventure di paperi.

En France, la série s'appelait La bande à Picsou [32]. Le nom français de Scrooge McDuck est Balthazar Picsou. Le nom de famille de Scrooge Picsou vient d'une expression française Pique-Sou qui met l'accent sur le comportement avare de Scrooge. Huey Dewey et Louie s'appellent Fifi, Riri et Loulou.

En Hongrie, l'expression "génération DuckTales" (Kacsamesék generáció) désigne les personnes nées entre le début et le milieu des années 80, car le décès de József Antall, le premier Premier ministre de Hongrie élu démocratiquement, a été annoncé lors d'un épisode DuckTales en 1993. C'était la première rencontre de la génération avec la politique [33].

En Roumanie, la série s'appelait Povești cu Mac-Mac (Stories with Mac-Mac). Seuls les épisodes 1-65 ont été doublés et diffusés. Scrooge McDuck a été doublé par un acteur bien connu, Gheorghe Dinică, jusqu'à sa mort (5 épisodes seulement sont restés après sa mort). Après la mort de Gheorghe Dinică, Valentin Uritescu a surnommé Scrooge (épisodes 50, 57, 60, 64, 65). Aussi, Angela Filipescu a fourni les voix de Huey, Dewey et Louie, Tamara Buciuceanu-Botez fournit la voix de Mme Beakley, Mihaela Mitrache était Webbigail avec le grand maître Cornel Vulpe comme Duckworth. La série a été diffusée sur Prima TV et diffusée pour la première fois sur TVR1 en 1994 et le studio de doublage qui fournit la version roumaine est Ager Film. La chanson d'introduction a été interprétée par un gagnant du Festival de Mamaia, Alin Cibian [34].

Aux Philippines, la série a été diffusée sur le réseau GMA de 1988 à 1993.

Film noir

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Pour l'album de Carly Simon, voir Film Noir (album).

Film noir

BigComboTrailer.jpg

Deux silhouettes dans The Big Combo (1955). Le directeur de la photographie du film était John Alton, le créateur de nombreuses images stylisées du film noir.

Années d'activité du début des années 1920 à la fin des années 1950

Pays États-Unis

Influence l'expressionnisme allemand,

Réalisme poétique français,

Néoréalisme italien,

De la fiction américaine dure à cuire,

Art Déco (scénographie)

Influence de la Nouvelle Vague française, Néo-noir

Film noir (/nwɑːr/) est un terme cinématographique utilisé principalement pour décrire les drames criminels hollywoodiens, en particulier ceux qui mettent l'accent sur les attitudes cyniques et les motivations sexuelles. La période du film noir classique d'Hollywood est généralement considérée comme s'étendant du début des années 1920 à la fin des années 1950. Le film noir de cette époque est associé à un style visuel discret, noir et blanc, qui trouve ses racines dans la cinématographie expressionniste allemande. Bon nombre des histoires prototypiques et une grande partie de l'attitude du noir classique proviennent de l'école dure du roman policier qui a vu le jour aux États-Unis pendant la Grande Dépression.

Le terme film noir, en français pour "black film" (littéralement) ou "dark film" (sens proche),[1] a d'abord été appliqué aux films hollywoodiens par le critique français Nino Frank en 1946, mais n'a pas été reconnu par la plupart des professionnels américains du cinéma de l'époque [2]. historiens et critiques de cinéma ont défini cette catégorie rétrospectivement. Avant que cette notion ne soit largement adoptée dans les années 1970, beaucoup de films noirs classiques [a] étaient appelés "mélodrames". La question de savoir si le film noir est considéré comme un genre distinct fait l'objet d'un débat permanent parmi les chercheurs.

Le film noir comprend plusieurs intrigues : le personnage central peut être un détective privé (The Big Sleep), un policier en civil (The Big Heat), un boxeur vieillissant (The Set-Up), un malheureux escroc (Night and the City), un citoyen respectueux des lois attiré dans une vie criminelle (Gun Crazy), ou simplement une victime des circonstances (DAO). Bien que le film noir ait d'abord été associé à des productions américaines, le terme a été utilisé pour décrire des films du monde entier. De nombreux films sortis à partir des années 1960 partagent les mêmes attributs que les films noirs de l'époque classique, et traitent souvent ses conventions de manière autoréférentielle. Certains qualifient ces œuvres d'aujourd'hui de néo-noir. Les clichés du film noir inspirent la parodie depuis le milieu des années 1940.

Contenu

1 Problèmes de définition

2 Contexte

2.1 Sources cinématographiques

2.2 Sources littéraires

3 Période classique

3.1 Aperçu général

3.2 Les administrateurs et les affaires du noir

4 À l'extérieur des États-Unis

5 Néo-noir et échos du mode classique

5.1 Les années 1960 et 1970

5.2 Les années 1980 et 1990

5.3 Les années 2000 et 2010

5,4 Science fiction noir

6 Parodies

7 Identification des caractéristiques

7.1 Style visuel

7.2 Structure et dispositifs narratifs

7.3 Tracés, personnages et décors

7.4 Vision du monde, moralité et tonicité

8 Voir aussi

9 Remarques

10 Références

11 Sources

12 Lectures complémentaires

13 Liens externes

Problèmes de définition

Fichier:L'étranger (1946).webm

L'Étranger, film complet

La question de ce qui définit le film noir, et de la catégorie dans laquelle il s'inscrit, suscite un débat permanent [3] " On simplifierait trop les choses en qualifiant le film noir d'onirique, étrange, érotique, ambivalent, cruel... "."Cet ensemble d'attributs constitue la première d'une longue série de tentatives de définition du film noir faites par les critiques français Raymond Borde et Étienne Chaumeton dans leur livre Panorama du film noir américain 1941-1953 (1955), le traitement original et fondamental du sujet.5] Les mises en garde des auteurs et les efforts répétés de définition alternative ont été repris dans les travaux ultérieurs : au cours des cinq décennies qui ont suivi, il y a eu d'innombrables autres tentatives de définition, mais selon l'historien du cinéma Mark Bould, le film noir reste un "phénomène insaisissable... toujours hors de portée"[6].

Bien que le film noir soit souvent identifié à un style visuel, non conventionnel dans un contexte hollywoodien, qui met l'accent sur l'éclairage discret et les compositions déséquilibrées [7], les films communément identifiés comme des preuves noires sont une variété d'approches visuelles, y compris celles qui s'inscrivent confortablement dans le courant dominant hollywoodien.De même, le film noir englobe une variété de genres, du film de gangsters au film policier procédural, en passant par l'histoire d'amour gothique et les problèmes sociaux, dont un exemple des années 1940 et 1950, aujourd'hui considéré comme l'ère classique du noir, était susceptible d'être décrit comme un mélodrame à cette époque [9].

Alors que de nombreux critiques parlent du film noir comme d'un genre, d'autres affirment qu'il ne peut en être autrement [10] Foster Hirsch définit un genre comme étant déterminé par "des conventions de structure narrative, de caractérisation, de thème et de conception visuelle". Hirsch, comme celui qui a pris la position que le film noir est un genre, affirme que ces éléments sont présents "en abondance". Hirsch note qu'il existe des caractéristiques unificatrices du ton, du style visuel et du récit suffisantes pour classer le noir comme un genre distinct [11].

D'autres affirment que le film noir n'est pas un genre. Le film noir est souvent associé à un cadre urbain, mais de nombreux films noirs classiques se déroulent dans les petites villes, les banlieues, les zones rurales ou sur la route ; le cadre ne peut donc pas être son genre déterminant, comme dans l'Ouest. De même, alors que l'œil privé et la femme fatale sont des types de personnages traditionnellement identifiés au noir, la majorité des films noirs ne comportent ni l'un ni l'autre ; il n'y a donc pas de base de caractère pour la désignation du genre comme dans le film de gangster. Le film noir ne s'appuie pas non plus sur des éléments aussi évidents que les éléments monstrueux ou surnaturels du film d'horreur, les sauts spéculatifs du film de science-fiction ou les routines de chant et de danse du film musical [12].

Un cas analogue est celui de la comédie de screwball, largement acceptée par les historiens du cinéma comme constituant un "genre" : le screwball n'est pas défini par un attribut fondamental, mais par une disposition générale et un ensemble d'éléments, dont certains - mais rarement et peut-être jamais tous - se retrouvent dans chacun des films du genre [13] Certains chercheurs dans ce domaine, comme Thomas Schatz, le considèrent comme un "style" et non comme un genre, à cause de la diversité du noir (bien supérieure à celle du screwball).Alain Silver, le critique américain spécialisé dans les études du film noir le plus largement publié, parle du film noir comme d'un "cycle"[15] et d'un "phénomène"[16], même s'il affirme qu'il a, comme certains genres, un ensemble cohérent de codes visuels et thématiques.D'autres critiques traitent le film noir comme une "ambiance"[18], le qualifient de "série"[19] ou s'adressent simplement à un ensemble choisi de films qu'ils considèrent comme appartenant au "canon" du noir [20], il n'y a pas de consensus sur la question [21].

Contexte général

Sources cinématographiques

Marlene Dietrich, une actrice fréquemment appelée à jouer une femme fatale

L'esthétique du film noir est influencée par l'expressionnisme allemand, un mouvement artistique des années 1910 et 1920 qui a impliqué le théâtre, la photographie, la peinture, la sculpture et l'architecture, ainsi que le cinéma. Les opportunités offertes par l'industrie cinématographique hollywoodienne en plein essor, puis la menace du nazisme, ont conduit à l'émigration de nombreux artistes du cinéma travaillant en Allemagne qui avaient été impliqués dans le mouvement expressionniste ou étudié avec ses praticiens [22] M (1931), tourné quelques années seulement avant le départ du réalisateur Fritz Lang d'Allemagne, est parmi les premiers films criminels de l'ère sonore à rejoindre un style visuel noirâtre caractéristique avec une trame de type noir où le héros est un criminel (comme ses plus grands succès). Des réalisateurs comme Lang, Robert Siodmak et Michael Curtiz ont apporté un style d'éclairage dramatiquement obscurci et une approche psychologiquement expressive de la composition visuelle (mise en scène), avec eux à Hollywood, où ils ont réalisé certains des noirs classiques les plus connus [23].

En 1931, Curtiz était déjà à Hollywood depuis une demi-décennie, faisant jusqu'à six films par an. Des films comme 20 000 ans à Sing Sing Sing Sing (1932) et Private Detective 62 (1933) font partie des premiers films sonores hollywoodiens que l'on peut qualifier de film noir-scholaire. Marc Vernet offre ce dernier comme preuve que la datation du début du film noir à 1940 ou toute autre année est " arbitraire ".Les cinéastes orientés vers l'expressionnisme ont eu libre cours à leur style dans des films d'horreur universels comme Dracula (1931), La momie (1932) - le premier photographié et le second réalisé par le Berlinois Karl Freund - et Le chat noir (1934), réalisé par Edgar G., émigré d'Autriche [24]. Ulmer [25] Le film d'horreur universel qui se rapproche le plus du noir, en histoire et en sensibilité, est The Invisible Man (1933), réalisé par l'Anglais James Whale et photographié par l'Américain Arthur Edeson. Edeson photographiera plus tard Le Faucon Maltais (1941), largement considéré comme le premier grand film noir de l'époque classique [26].

Josef von Sternberg était réalisateur à Hollywood à la même époque. Des films comme Shanghai Express (1932) et The Devil Is a Woman (1935), avec leur érotisme en serre et leur style visuel baroque, anticipent les éléments centraux du noir classique. Le succès commercial et critique du film muet Underworld (1927) de Sternberg est en grande partie responsable de l'engouement pour les films de gangsters hollywoodiens [27] Des films à succès dans ce genre comme Little Caesar (1931), The Public Enemy (1931) et Scarface (1932) ont démontré que les drames criminels avaient un public de protagonistes moralement condamnables.Le réalisme poétique français des années 1930, avec son attitude romantique et fataliste et sa célébration de héros condamnés, est un antécédent cinématographique important, peut-être influent, du noir classique [29] La sensibilité du mouvement se reflète dans les Warner Bros. Parmi les films qui ne sont pas considérés comme des films noirs, aucun n'a peut-être eu un plus grand effet sur le développement du genre que Citizen Kane (1941), réalisé par Orson Welles. Sa complexité visuelle et sa structure narrative complexe et vocale se retrouvent dans des douzaines de films noirs classiques [31].

Le néoréalisme italien des années 1940, qui mettait l'accent sur l'authenticité quasi documentaire, a eu une influence reconnue sur les tendances qui ont émergé dans le noir américain. The Lost Weekend (1945), réalisé par Billy Wilder, un autre auteur américain né à Vienne et formé à Berlin, raconte l'histoire d'un alcoolique d'une manière qui évoque le néoréalisme [32] ; il illustre aussi le problème de la classification : un des premiers films américains à être décrit comme un film noir, il a largement disparu des considérations du domaine [33] Le directeur Jules Dassin de La Cité Nue (1948) a souligné que les néoréalistes inspirent son utilisation de photographies de plateau avec les figurants non professionnels. Cette approche semi-documentaire a caractérisé un nombre important de noirs à la fin des années 1940 et au début des années 1950. Avec le néoréalisme, le style avait un précédent américain cité par Dassin dans The House on 92nd Street (1945) du réalisateur Henry Hathaway, qui démontrait l'influence parallèle du film d'actualité cinématographique [34].

Sources littéraires

Couverture de magazine avec illustration d'une jeune femme aux cheveux roux et à l'air terrifié, bâillonnée et attachée à un poteau. Elle porte un haut jaune taille basse, portant le bras et une jupe rouge. Devant elle, un homme avec une grande cicatrice sur la joue et une expression furieuse chauffe un fer à repasser sur un poêle à gaz. En arrière-plan, un homme portant un trenchcoat et un fedora et tenant un revolver entre par une porte. Le texte comprend le slogan "Smashing Detective Stories" et le titre de l'article de couverture, "Finger Man".

Le numéro d'octobre 1934 de Black Mask présentait la première apparition du personnage policier que Raymond Chandler a développé pour devenir le célèbre Philip Marlowe [35].

La principale influence littéraire sur le film noir a été l'école du détective et du roman policier américain, dirigée dans ses premières années par des écrivains comme Dashiell Hammett (dont le premier roman, Red Harvest, a été publié en 1929) et James M. Cain (dont The Postman Always Rings Twice est sorti cinq ans après), et popularisée dans des romans en fascicules tels que Black Mask. Les romans classiques The Maltese Falcon (1941) et The Glass Key (1942) sont basés sur des romans de Hammett ; les romans de Cain ont servi de base à Double Indemnity (1944), Mildred Pierce (1945), The Postman Always Rings Twice (1946) et Slightly Scarlet (1956 ; adapté de Lovely Counterfeit). Dix ans avant l'ère classique, une histoire de Hammett est à l'origine du mélodrame gangster City Streets (1931), réalisé par Rouben Mamoulian et photographié par Lee Garmes, qui travaille régulièrement avec Sternberg. Sorti le mois précédant la sortie de Lang's M, City Streets a la prétention d'être le premier grand film noir ; son style et son histoire présentaient de nombreuses caractéristiques du noir [36].

Raymond Chandler, qui a débuté comme romancier avec The Big Sleep en 1939, est rapidement devenu l'auteur le plus célèbre de l'école dure. Non seulement les romans de Chandler ont-ils été transformés en noirs majeurs - meurtre, ma douce (1944 ; adapté de Farewell, My Lovely), The Big Sleep (1946) et Lady in the Lake (1947) - mais il a aussi été un scénariste important dans le genre, produisant les scénarios de Double Indemnity, The Blue Dahlia (1946) et Strangers on a Train (1951). Là où Chandler, comme Hammett, a centré la plupart de ses romans et de ses histoires sur le caractère de l'œil privé, Cain a présenté des protagonistes moins héroïques et s'est davantage concentré sur l'exposition psychologique que sur la résolution de crimes [37], l'approche Cain s'est identifiée à un sous-ensemble du genre dur surnommé "noir fiction". Pendant une grande partie des années 1940, l'un des auteurs les plus prolifiques et les plus réussis de ce récit souvent pessimiste était Cornell Woolrich (parfois sous le pseudonyme de George Hopley ou William Irish). Aucun ouvrage publié par un écrivain n'a donné lieu à plus de films noirs de la période classique que celui de Woolrich : treize en tout, dont Black Angel (1946), Deadline at Dawn (1946) et Fear in the Night (1947)[38].

Une autre source littéraire cruciale pour le film noir est W. R. Burnett, dont le premier roman à être publié est Little Caesar, en 1929. L'année suivante, Burnett est engagé pour écrire des dialogues pour Scarface, tandis que The Beast of the City (1932) est adapté d'une de ses histoires. 39] L'approche narrative caractéristique de Burnett se situait quelque part entre celle des écrivains quintessencieux et de leurs compatriotes de fiction noire - ses protagonistes étaient souvent héroïques à leur manière, ce qui s'est avéré être celui du gangster. À l'époque classique, son travail d'auteur ou de scénariste a servi de base à sept films aujourd'hui largement considérés comme des films noirs, dont trois des plus célèbres : High Sierra (1941), This Gun for Hire (1942), et The Asphalt Jungle (1950)[40].

Période classique

Vue d'ensemble

Les années 1940 et 1950 sont généralement considérées comme la "période classique" du film noir américain. Alors que City Streets et d'autres mélodrames criminels d'avant la Deuxième Guerre mondiale comme Fury (1936) et You Only Live Once (1937), tous deux réalisés par Fritz Lang, sont classés comme des films noirs à part entière dans l'encyclopédie d'Alain Silver et Elizabeth Ward, d'autres critiques les qualifient plutôt de "proto-noir" ou en termes similaires (41).

Le film noir le plus souvent cité aujourd'hui comme le premier "vrai" film noir est Stranger on the Third Floor (1940), réalisé par Boris Ingster, né en Lettonie et formé en Union soviétique [42], l'émigré hongrois Peter Lorre - qui avait joué dans M de Lang - était le premier rôle, sans toutefois jouer le premier rôle. Plus tard, il a joué des rôles secondaires dans plusieurs autres noirs américains formateurs. Bien que modestement budgété, au haut de l'échelle du film B, Stranger on the Third Floor a quand même perdu son studio, RKO, 56 000 $US (équivalent à 1 001 482 $US en 2018), soit presque le tiers de son coût total [43] Le magazine Variety a trouvé l'œuvre d'Ingster : "....trop étudiée et quand elle est originale, elle n'a pas l'éclat nécessaire pour retenir l'attention. C'est un film trop artistique pour le public moyen et trop banal pour les autres "[44] Pendant des décennies, Stranger on the Third Floor n'a pas été reconnu comme le début d'une tendance, et encore moins d'un nouveau genre,[42].

Celui qui allait régulièrement au cinéma en 1946 était pris au milieu de l'affection profonde d'Hollywood pour les drames morbides de l'après-guerre. De janvier à décembre, des ombres profondes, des mains serrées, des revolvers explosifs, des méchants sadiques et des héroïnes tourmentées par des maladies de l'esprit profondément enracinées ont défilé sur l'écran dans un spectacle haletant de psychonévrose, de sexe non sublimé et de meurtre des plus odieux.

Donald Marshman, Life (25 août 1947)[45].

La plupart des films noirs de la période classique étaient également des longs métrages à petit budget, sans grandes vedettes - des films B, littéralement ou dans l'esprit. Dans ce contexte de production, les scénaristes, les réalisateurs, les directeurs de la photographie et les autres artisans étaient relativement libres des contraintes typiques d'une vue d'ensemble. Il y avait plus d'expérimentation visuelle que dans l'ensemble du cinéma hollywoodien : l'expressionnisme aujourd'hui étroitement associé au noir et le style semi-documentaire qui est apparu plus tard représentent deux tendances très différentes. Les structures narratives comportaient parfois des flashbacks alambiqués et alambiqués, ce qui n'est pas courant dans les productions commerciales non noires. Sur le plan du contenu, l'application du Code de production a fait en sorte qu'aucun personnage de film ne puisse littéralement s'en tirer avec un meurtre ou être vu en train de partager un lit avec quelqu'un d'autre qu'un conjoint ; cependant, dans ces limites, de nombreux films sont maintenant considérés comme des éléments de long métrage noir et un dialogue qui étaient très osés pour le moment.46].

Image en noir et blanc d'un homme et d'une femme assis côte à côte sur un canapé, vus en biais. L'homme, de profil au premier plan à gauche, regarde à droite du cadre. Il porte un trench-coat, et son visage est ombragé par un fedora. Il tient une cigarette dans sa main gauche. La femme, à droite et à l'arrière, le fixe. Elle porte une robe sombre et un rouge à lèvres d'une teinte profondément saturée.

Out of the Past (1947) présente de nombreuses caractéristiques du genre : un détective privé cynique comme protagoniste, une femme fatale, de multiples flashbacks avec narration en voix off, des photographies dramatiquement ombragées et une humeur fataliste avec des blagues provocatrices. Le film met en vedette les icônes du noir Robert Mitchum et Jane Greer.

Sur le plan thématique, les films noirs étaient exceptionnels par la fréquence relative à laquelle ils se concentraient sur les femmes aux vertus discutables - un thème qui était devenu rare dans les films hollywoodiens après le milieu des années 1930 et à la fin de l'ère pré-code. Le film signal dans cette veine était Double Indemnity, réalisé par Billy Wilder ; la mise en scène était l'inoubliable femme fatale de Barbara Stanwyck, Phyllis Dietrichson - un clin d'œil apparent à Marlene Dietrich, qui avait construit sa carrière extraordinaire en jouant ces personnages pour Sternberg. Le succès commercial du film et ses sept nominations aux Oscars en font probablement le film le plus influent des premiers romans noirs [47], suivi d'une foule de "mauvaises filles" noires désormais célèbres, comme celles jouées par Rita Hayworth dans Gilda (1946), Lana Turner dans The Postman Always Rings Twice (1946), Ava Gardner dans The Killers (1946), et Jane Greer dans Out of the Past (1947). Le pendant noir emblématique de la femme fatale, l'œil privé, s'est imposé dans des films comme Le Faucon maltais (1941), avec Humphrey Bogart dans le rôle de Sam Spade, et Murder, My Sweet (1944), avec Dick Powell dans celui de Philip Marlowe.

La prédominance de l'œil privé comme personnage principal a diminué dans le film noir des années 1950, période au cours de laquelle plusieurs critiques décrivent la forme comme devenant plus centrée sur les psychologies extrêmes et plus exagérée en général [48] Un excellent exemple est Kiss Me Deadly (1955) ; basé sur un roman de Mickey Spillane, le best-seller des auteurs durcis, le héros est ici un œil privé, Mike Hammer. Comme le décrit Paul Schrader, "la mise en scène taquine de Robert Aldrich transporte le noir dans sa forme la plus sordide et la plus perversement érotique. Hammer renverse le monde souterrain à la recherche du " grand machin "[qui] s'avère être une bombe atomique qui explose "[49][49] Touch of Evil (1958), au style baroque, d'Orson Welles est souvent cité comme le dernier noir de la période classique.Certains chercheurs croient que le film noir n'a jamais vraiment pris fin, mais qu'il a continué de se transformer, même si le style visuel caractéristique du film noir a commencé à sembler désuet et si les conditions de production changeantes ont amené Hollywood dans des directions différentes - dans cette perspective, les films noirs d'après 1950 sont considérés dans la lignée du noir classique. 51] Cependant, une majorité de critiques considèrent les films comparables réalisés hors des temps classiques comme des films originaux, autres que de véritables films noirs [55][55]. Ils considèrent le vrai film noir comme faisant partie d'un cycle ou d'une période limitée dans le temps et dans l'espace, traitant les films ultérieurs qui évoquent les classiques comme fondamentalement différents en raison des changements généraux du style cinématographique et de la conscience actuelle du noir comme source historique d'allusion [52].

Les réalisateurs et les affaires du noir

Image en noir et blanc d'un homme et d'une femme, tous deux aux expressions déprimées, assis côte à côte sur le siège avant d'une décapotable. L'homme, à droite, saisit le volant. Il porte une veste et un pull. La femme porte une tenue à carreaux. Derrière eux, dans la nuit, la route est vide, avec deux feux très éloignés au loin.

Une scène de In a Lonely Place (1950), mise en scène par Nicholas Ray et basée sur un roman de Dorothy B. Hughes, écrivain de fiction noire. Deux des acteurs principaux du film noir, Gloria Grahame et Humphrey Bogart, incarnent les amants croisés dans le film.

Alors que le film noir inceptif, Stranger on the Third Floor, était un film B réalisé par un inconnu virtuel, plusieurs des films noirs dont on se souvient encore étaient des productions de premier plan de cinéastes connus. Ayant débuté comme metteur en scène avec The Maltese Falcon (1941), John Huston a suivi avec Key Largo (1948) et The Asphalt Jungle (1950). Les avis sont partagés sur le statut noir de plusieurs thrillers d'Alfred Hitchcock de l'époque ; au moins quatre se qualifient par consensus : Shadow of a Doubt (1943), Notorious (1946), Strangers on a Train (1951) et The Wrong Man (1956)[53] Le succès d'Otto Preminger avec Laura (1944) a fait sa réputation et a aidé à démontrer l'adaptabilité du noir à une présentation très brillante du 20e siècle avec Fox.Parmi les réalisateurs les plus célèbres d'Hollywood de l'époque, aucun ne travaillait plus souvent en noir que Preminger ; ses autres films noirs comprennent Fallen Angel (1945), Whirlpool (1949), Where the Sidewalk Ends (1950) (tous pour Fox) et Angel Face (1952). Une demi-décennie après Double Indemnity et The Lost Weekend, Billy Wilder réalise Sunset Boulevard (1950) et Ace in the Hole (1951), des noirs qui ne sont pas tant des drames criminels que des satires sur Hollywood et les médias. In a Lonely Place (1950) fut la percée de Nicholas Ray ; ses autres romans noirs comprennent son premier album, They Live by Night (1948) et On Dangerous Ground (1952), connu pour son traitement particulièrement sympathique des personnages étrangers au courant social dominant [55].

Rita Hayworth dans la caravane de La Dame de Shanghai (1947)

Orson Welles avait des problèmes de financement notoires, mais ses trois films noirs étaient bien budgétisés : The Lady from Shanghai (1947) a reçu un soutien de haut niveau et de prestige, tandis que The Stranger, son film le plus conventionnel et Touch of Evil, une œuvre indubitablement personnelle, ont été financés à des niveaux inférieurs mais toujours à la hauteur des sorties vedettes [56] Comme The Stranger, The Woman in the Window (1945) de Fritz Lang était une production des Independent International Pictures. La suite de Lang, Scarlet Street (1945), est l'un des rares romans noirs classiques à avoir été officiellement censurés : chargé d'insinuations érotiques, il est temporairement interdit à Milwaukee, Atlanta et New York [57] Scarlet Street est semi-indépendant, coparrainé par Universal et Diana Productions de Lang, dont Joan Bennett, co-star du film, est le deuxième actionnaire principal. Lang, Bennett et son mari, le vétéran d'Universal et chef de production de Diana Walter Wanger, ont réalisé Secret Beyond the Door (1948) de la même façon [58].

Avant de quitter les États-Unis alors qu'il était soumis à la liste noire d'Hollywood, Jules Dassin a fait deux noirs classiques qui chevauchaient également la ligne indépendante majeure : Brute Force (1947) et l'influent style documentaire The Naked City ont été développés par le producteur Mark Hellinger, qui avait un contrat "inside/outside" avec Universal similaire à celui de Wanger, Hellinger avait produit trois films pour Raoul Walsh, les proto-noirs They Drive by Night (1940), Manpower (1941) et High Sierra (1941), aujourd'hui considérés comme une œuvre marquante dans le développement du noir [60] Walsh n'avait pas un grand nom pendant son demi-siècle comme réalisateur mais ses noirs White Heat (1949) et The Enforcer (1951) avaient une liste A et sont considérés comme des exemples importants du cycle.Parmi les autres réalisateurs associés aux films noirs hollywoodiens à succès figurent Edward Dmytryk (Murder, My Sweet [1944], Crossfire [1947]) - le premier réalisateur noir important à être victime de la liste noire de l'industrie - ainsi que Henry Hathaway (The Dark Corner [1946], Kiss of Death [1947]) et John Farrow (The Big Clock [1948], Night has a Thousand Eyes [1948]).

La plupart des films hollywoodiens considérés comme des films noirs classiques entrent dans la catégorie du "film B"[62] Certains étaient des B au sens le plus précis du terme, produits pour fonctionner sur le fond de doubles billets par une unité à petit budget d'un des grands studios ou par l'un des plus petits groupes de Poverty Row, du Monogramme relativement aisé aux entreprises plus modestes telles que Producers Releasing Corporation (PRC). Jacques Tourneur avait fait plus d'une trentaine de B à Hollywood (quelques uns aujourd'hui très appréciés, la plupart oubliés) avant de réaliser le A-level Out of the Past, décrit par le savant Robert Ottoson comme "the ne plus ultra of fortyties film noir"[63] Les films à budget élevé, appelés "intermédiaires" par l'industrie, peuvent, selon les circonstances, être traités en A ou B pictures. Monogram a créé Allied Artists à la fin des années 1940 pour se concentrer sur ce type de production. Robert Wise (Born to Kill [1947], The Set-Up [1949]) et Anthony Mann (T-Men [1947] et Raw Deal [1948]) ont chacun réalisé une série d'intermédiaires impressionnants, dont beaucoup étaient des noirs, avant de se consacrer à des productions à gros budget. Mann a fait certaines de ses œuvres les plus célèbres avec le directeur de la photographie John Alton, spécialiste de ce que James Naremore appelait " les moments hypnotiques de lumière dans l'obscurité "[64] Il Walked by Night (1948), tourné par Alton et bien qu'attribué uniquement à Alfred Werker, réalisé en grande partie par Mann, démontre leur maîtrise technique et illustre la tendance des drames policiers " de procédure " à la fin des années 1940. Il a été publié, comme d'autres romans de Mann-Alton, par la petite compagnie Eagle-Lion ; il a inspiré la série Dragnet, qui a fait ses débuts à la radio en 1949 et à la télévision en 1951 [65].

Affiche de film avec une bordure de bandes diagonales noir et blanc. En haut à droite se trouve un slogan : "Il est parti à la recherche de l'amour... mais le destin a forcé un DÉTOUR à se réjouir... Violence .... Mystère !" L'image est un collage d'alambics : un homme jouant de la clarinette ; un homme et une femme souriants en robe du soir ; le même homme, avec une expression horrifiée, tenant le corps d'un autre homme blessé à la tête ; le corps d'une femme, endormie ou morte, étendu sur un lit, un téléphone à ses côtés ; appuyé contre un lampadaire, le même homme une troisième fois, portant un costume vert et une cravate, et une cigarette dans ses bras, et une femme avec une robe rouge à la taille des genoux, des chaussures noires, fumante. Les crédits au bas de la page comportent le nom de trois acteurs : Tom Neal, Ann Savage et Claudia Drake.

Detour (1945) a coûté 117 000 $ à faire alors que les plus grands studios d'Hollywood ont dépensé en moyenne 600 000 $ par long métrage. Produit dans une petite République populaire de Chine, le film a toutefois dépassé de 30 pour cent son budget [66].

Plusieurs réalisateurs associés au film noir ont construit des œuvres très respectées, surtout au niveau B-movie/intermédiaire. Les films brutaux et visuellement énergiques de Samuel Fuller, comme Pickup on South Street (1953) et Underworld U.S.A. (1961), lui ont valu une réputation unique ; ses défenseurs le qualifient de " primitif " et de " barbare "[67][68] Joseph H. Lewis a réalisé des noirs aussi divers que Gun Crazy (1950) et The Big Combo (1955). Le premier, dont le scénario a été écrit par le scénariste Dalton Trumbo, sur la liste noire, déguisé par une façade, présente une séquence de braquage de banque montrée dans une prise ininterrompue de plus de trois minutes qui a eu une grande influence [69] The Big Combo, tourné par John Alton, a porté le style obscur noir à ses limites extérieures.Les films les plus marquants de Phil Karlson (The Phenix City Story [1955] et The Brothers Rico [1957]) racontent des histoires de vice organisées à une échelle monstrueuse [71] Le travail d'autres réalisateurs de ce niveau de l'industrie, tels que Felix E. Feist (The Devil Thumbs a Ride [1947], Tomorrow Is Another Day [1951]), est devenu obscur. Edgar G. Ulmer a passé la majeure partie de sa carrière hollywoodienne à travailler dans les studios B et de temps en temps sur des projets qui ont atteint un statut intermédiaire ; pour la plupart, sur des B indubitables. En 1945, alors qu'il était en RPC, il réalise un classique culte noir, Detour [72], un autre de ses romans noirs : Strange Illusion (1945), également pour la RPC ; Ruthless (1948), pour Eagle-Lion, qui avait acquis la RPC l'année précédente et Murder Is My Beat (1955), pour Allied Artists.

Un certain nombre de romans noirs à petit budget ont été réalisés par des sociétés indépendantes, souvent détenues par des acteurs, qui ont passé des contrats avec de plus grands studios pour la distribution. Producteur, scénariste, réalisateur et interprète de premier plan, Hugo Haas a réalisé des films comme Pickup (1951) et The Other Woman (1954). C'est ainsi qu'Ida Lupino, actrice noire accomplie, s'est imposée comme la seule femme réalisatrice à Hollywood à la fin des années 1940 et pendant la majeure partie des années 1950. Elle n'apparaît pas dans le film le plus connu qu'elle a réalisé, The Hitch-Hiker (1953), développé par sa compagnie, The Filmakers, avec le soutien et la distribution de RKO[73] C'est l'un des sept films noirs classiques produits principalement en dehors des grands studios qui ont été choisis pour le National Film Registry des États-Unis. Parmi les autres, l'un d'entre eux était un petit studio : Détour. Quatre étaient des productions indépendantes distribuées par United Artists, le "studio sans studio" : Gun Crazy ; Kiss Me Deadly ; D.O.A. (1950), réalisé par Rudolph Maté et Sweet Smell of Success (1957), réalisé par Alexander Mackendrick. L'un d'eux était un produit indépendant distribué par MGM, le chef de file de l'industrie : Force of Evil (1948), réalisé par Abraham Polonsky et mettant en vedette John Garfield, tous deux sur la liste noire dans les années 1950 [74] La production indépendante signifiait habituellement des circonstances restreintes, mais Sweet Smell of Success, malgré les plans de l'équipe de production, n'était manifestement pas faite à bon marché, bien que comme beaucoup de films à budget A, on pourrait dire que ce film a une âme B[75].

Aucun réalisateur n'a peut-être mieux fait preuve de cet esprit que l'Allemand Robert Siodmak, qui avait déjà réalisé une vingtaine de films avant son arrivée à Hollywood en 1940. En plus de The Killers, des débuts de Burt Lancaster et d'une coproduction Hellinger/Universal, Siodmak a apporté d'autres contributions importantes au genre, dont Phantom Lady de 1944 (une adaptation haut de gamme de B et Woolrich), Christmas Holiday (1944) qui porte le titre ironique de Noël, et Cry

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